歌手中华个人资料 歌手吕念祖大号是中华
阅文配乐：《万里长城永不倒》——叶振棠、徐小明、黄元申（三版对比演唱）
写这类“科普”文章最忌讳过早揭开谜底。但这次我要反其道而行，首先就把答案告诉大家！
现在的歌为什么不好听？或者说好听的作品越来越少？甚至在每年全网发行新歌多达数万首的情况下，听众能记得的一巴掌就能数过来？
答案就一个字：“钱”！
其他媒体人曾经写过不少类似文章，他们从各种角度深入剖析了个中原因。
无论是从专业角度、社会角度、甚至科技和大数据角度来探讨这个问题，都用了晦涩难懂的方式。每个字都认得，连在一起就不容易理解了。
本期恋歌bar，依然秉承用最通俗、最啰嗦的语言，举实例说明问题的原则，用一首大家耳熟能详的老歌，来解开这个“世纪难题”。
熟悉我的朋友都知道，大概又要开启“延展”时间了。没办法，不这么写，我不过瘾啊。
容我先啰嗦点别的，再引出那首歌。
几年前，为了更新车载优盘里面的歌曲，我从某音乐网站下载了大量流行音乐，发现了一个现象。
那就是歌曲的好听与否程度在随着时间递减！用句老话儿形容：老太太过年，一年不如一年。
有人会说，这已经是大家的共识了啊，还用你说？
可里面的道道儿就得我来说了。
因为新买了大容量的优盘，原先存储的各类音乐也有点听腻了。偶然下载香港歌手翻唱的日文原版时，发现大量非常精彩的歌曲！便一首一首按日本歌坛年鉴专辑细品起来。
听了几首60年代咿咿呀呀的日本演歌之后，觉得不是我的菜。遂从70年代开始搜集。
这下不得了，挖掘出海量的宝藏歌曲！
首先要明确一点：任何时代都从不缺乏好歌手。以前是，现在依然是。演唱风格可以随趋势变化，但基本发声技巧不会变。
所以在刨除歌手这个首要因素外，就要分析其他原因了。
为了容易对比，我们依然用日本歌坛来对标香港歌坛。
我发现七十年代的日本流行歌曲，乐队非常厉害！
声明一点，本文说的乐队指的是大乐队。温拿乐队、达明一派、蓝战士、太极、Beyond这种不在讨论之列。
众所周知，日本的电子科技一直走在时代前沿，同时也延伸到音乐领域。
虽然世界上第一台电子合成器是美国人在五十年代发明的，但日本人在此基础上融会贯通，发扬光大。在七十年代已经把这东西应用到很多音乐作品中了。
1976年的日本电影《追捕》主题歌，通篇没有歌词，就一个啦呀啦，伴奏却异常精彩！融合了大河剧与现代音乐的配器风格，至今仍是一首经典作品。
除了电声乐队四大件之外，日本七十年代的乐队非常庞大，动辄十几人乃至数十人！
那时的日本歌坛，受大河剧影响，乐队中多加入大量铜管乐器，再加上人数众多的弦乐队，极大丰富了配器层次。
可毕竟还是落后的年代，编曲者需要达到的许多音色，电子合成器无法模拟，只能用真正的乐器来演奏。虽然低效，却给作品增添了巨大的真实感。这种魅力是合成器永远无法企及的高度。
由于各家唱片公司实力不同，一定要考虑到发行成本问题。乐手薪酬就是一项非常重要的开支。
尽管如此，在技术限制和精益求精的匠人精神双重因素下，日本乐坛仍然坚持这一做法。
这个好传统流传到了香港乐坛。
七十年代的香港歌坛，古装武侠剧盛行，所以配乐很少加入电子音效，除了贝斯和鼓这两个配器中必不可少的顶梁柱之外，动用了大量弦乐手和民乐手。
现在我们就来说说那首作为本文范例的作品：81版《大侠霍元甲》主题曲——《万里长城永不倒》。
再次重申，这首歌指的一定是叶振棠1981版！
关于这首歌，有一个“曼德拉效应”：叶振棠和徐小明究竟谁是原唱？
有人说徐小明是原唱，还特意解释叶振棠是港版主题曲，徐小明版本是引进内地时使用的。
我是东北人，不知道当年广东作为文艺前沿大省，最初引进时播放的主题曲是谁唱的。反正1983年初秋我在家看的时候，是辽宁电视台播放的，就是叶振棠的版本！即使我那时很小，但绝对不会记错，播出时天天在电视里听，公园马戏团开场前放的也是这个版本，印象太深了！
人的记忆力有可能出错，但对于旋律的记忆是很难弄混的。
至于徐小明的版本是他在永恒唱片时期录制的，发行于1983年12月1日。而《大侠霍元甲》在香港的首播时间是1981年9月28日。
从时间上可以看出，徐小明或者是唱片公司高层，见到该剧在内地的影响力，所以才在主推《霍东阁》和《木棉袈裟》的专辑中加录《万里长城永不倒》。在配器上也能明显听出来，和《霍东阁》同出一辙，满满都是电鼓当道的年代味儿。
甚至徐小明录制这首歌的时间还晚于剧中霍元甲的扮演者黄元申，发行于1983年4月28日的翻唱专辑《大号是中华》。
黄元申的版本听完只有一个评价：粤语发音挺标准。没有其他了
可惜的是，徐小明版本的配器过于小气。尤其是采用了1983年开始流行的电鼓，用来表现《霍东阁》已趋近代题材的主题歌还可以，套用在民族大义爆棚的《霍元甲》上，实在不妥。
同时徐小明粤剧味道浓郁的唱腔也有问题。壮怀激烈的感觉是有了，却过于奋进，有种陈真的莽撞感，和叶振棠坚毅隐忍，悲愤觉醒的演绎比起来，逊色不少。
可能这也是内地播放时，没有采用徐小明版本最直接的原因。
音乐是有情绪的。
同时期，内地歌手吕念祖和王路明都曾翻唱过这首歌。因为配器太过粗糙，故不在本文讨论之列。
叶振棠的《万里长城永不倒》，和之前叶丽仪的《上海滩》，同为香港EMI（百代）唱片公司出品。
这家成立于1897年的唱片公司，曾是世界五大唱片公司之一。在中国也有近百年历史，旗下巨星云集。
解放前的周璇、胡蝶、聂耳、冼星海等著名歌星和音乐家均属百代唱片。罗文、陈百强、刘德华、蔡琴、张清芳、伍思凯、那英、郑钧、解晓东等著名歌手也先后同属这家公司。
1980年的《上海滩》已经成为一代绝唱了，没想到次年的《万里长城永不倒》紧随其后，掀起了所有中国人的爱国热情！
叶振棠的这首歌，从听感上直接感觉，伴奏的乐队成员和伴唱加在一起不会少于35人！这还不算多轨录制时的重复人次和后期混编人员。
定音鼓开场后，分别有弦乐团、铜管乐团、电声乐队、民乐手陆续加入其中。吉他、贝斯、架子鼓、钢琴、中小提琴、小号组、长号、圆号组、古筝、竹笛，无所不用其极！男女伴唱歌手如果不是多轨录音的话，也不会少于6人。
要知道，这不是交响乐团，不是现代电声乐团，更不是民乐团。如此庞大的阵容，只是为了一首流行歌曲伴奏啊！
如果不是唱片公司财大气粗，就是香港音乐人太敬业了！
试问当时内地哪家公司能做到这点？
你听一下同时期的内地伴奏，根据美声、民族、通俗三种唱法，要么是清一色表现恢弘气势的交响乐团，要么是一水的民乐队，再就是三五人的电声乐队。
有一首能把这么多乐器完美融合的作品吗？
上期写的关于孟庭苇的文章中，提到了她翻唱七八十年代经典作品的那张专辑。虽然演唱水准普遍高于原唱，但上华唱片公司的乐队由于大量采用合成器，失去了原作真乐器的质感，很是遗憾。
同感遗憾的还有张国荣在1989年发行的翻唱专辑《SALUTE》。
新艺宝唱片发行
其中有一首我最喜爱的歌曲《这是爱》，翻唱自泰迪罗宾1981年专辑的同名歌曲。
宝丽金唱片发行
就因为哥哥所属新艺宝唱片公司的乐队实力不及宝丽金，尽管哥哥深情浑厚的声线，比泰迪罗宾更适合演绎这首经典作品，但在配器上，那种恋人间充满离别伤感，和对世事无常的情绪表达，仍感欠缺。
如果能把宝丽金的伴奏给张国荣唱，就是锦上添花了。强烈推荐各位分别听一下两个版本！
歌曲有时代性，配器也同样有。
进入新世纪，快节奏的生活和思想观念的改变，乐坛风向逐渐向精简发展。
在一切为了经济利益的潮流中，当年那种动辄几十人的大乐队难觅其踪。
技术和设备的日渐先进，可以把整个大乐队浓缩于一张存储卡里。往往三四个人就能顶替几十人的配置。
功臣是那台合成器。但乐坛衰败也是它带来的。
还是这首《万里长城永不倒》。
原唱者叶振棠，在1997年，出了一张什么百分百电视剧经典精选的唱片，把这种投机取巧的短视行为做到极致。
不知那家杂牌唱片公司高层怎么想的，其他个别歌曲还偶尔用到弦乐，但首本名曲的伴奏却全部用一台合成器完成，甚至连“伴唱”都是电子模拟！
整体感觉几乎就是公园里退休老人自娱自乐的产物。
更可怕的是，由于版权限制，现在网络上凡冠以叶振棠演唱的《万里长城永不倒》都是这个版本，导致很多后辈压根不知1981版是多么震撼人心！尽管如此，还是有很多评论对这首歌赞赏有加。
说这些后辈可怜过分吗？
这种浮躁之风一直刮到了2012年。《中国好声音》首开先河，使现场乐队有了新的定义。次年开播的《我是歌手》，把更加严苛的大乐队概念做到了极致。
那是人们时隔多年后，在电视上第一次看到如此正规整齐的乐队阵容！
香港著名音乐人梁翘柏担任《我是歌手》的监制。这位出生于1963年的音乐才子，20岁时就组建了第一支乐队。成员就包括黄家强，那时梁翘柏担任吉他手。
前排右二为梁翘柏
尽管当时他们是一支以演绎别人作品为主的乐队，并未公开演出过。但那时正是香港乐坛最为辉煌的时期，耳濡目染的梁翘柏从那个时代看到了什么是一个音乐人该做的。这为他多年后成为内地乐坛的金牌监制奠定了牢固的根基。
从《我是歌手》开始，我们在电视和网络上陆续看到各种制作精良的音乐节目。大量常规和个性乐器同聚一台，令人眼花缭乱。
原来不是没有好乐队，以前只是没钱而已！
大乐队，终于被重视起来。
然而，这种类型的大乐队由于人员众多，开支庞杂，很难大规模流行起来。只能存在于财力雄厚的综艺里，大量音乐人的日常演出和制作依然以MIDI为主。
但至少它给当今乐坛开了一个好头儿。
再回到那首歌。
2015年3月，歌坛老将叶振棠再次发行一张名为《笑傲人生》的翻唱专辑。同样是自己和其他歌手作品的新编版。其中自然少不了他的经典名作《万里长城永不倒》。
这已经是他第三次录制这首歌了。
时年71岁的叶振棠，封面看上去意气风发，志得意满，属实有种笑傲人生的豁达。
可惜这次的翻唱，气息越发微弱，唱功已不复当年。
笛子、古筝这回都是真的了，毕竟只要找两个民乐手就可解决。弦乐和铜管乐以及伴唱，采用的是音色更加逼真的合成器。阉割版的编曲，还减掉了重要的架子鼓，以鼓机代替，成品效果跟1981版相比，依然是天地之差！
是他们不想做得更好吗？并不是。原因只有一个：这种伴奏的最大好处就是省钱。
由此可见，如今制约音乐水准的重要一点，并不是人们所诟病的创作源泉枯竭，也不是如今乐坛再没有那种作品大于一切的初心，而是财力！
同样付出劳动，谁都希望有一个好的收获，没人在创作初起就抱着敷衍的态度。他们之所以绞尽脑汁也写不出好旋律，说白了就是囊中羞涩，一心想尽快见到经济效益，导致浮躁心态下难出经典。
问世间有几个能甘于贫穷，安心创作，蛰伏后一飞冲天的创作天才？
没有资金支持，任何音乐梦想都是空谈。因为首先得活着。
今天，一位原创者如果想出新作品，要么自筹资金找乐手录制伴奏，要么全部用合成器代替。在没有公司签约的前提下，只有这两条路可以走。大多数作者因为没钱，只能用MIDI做伴奏。
我们捋捋这条线：
1.任何年代都不缺好歌手，歌手只是作品代言人。只有作品质量过硬，所代言的“产品”才会有市场。
2.发行唱片必须要有钱。没钱，再好的作品也只能压箱底儿。类比如今韩国影坛，就是因为筹措资金非常困难，他们才会精雕细琢，用好每一分钱，影片质量才过硬！
3.七八十年代，凡是发行的唱片，受制于技术，只能被动使用真乐器，但听感甚佳。
4.合成器盛行的九十年代，好多歌曲看似跟风赶潮流，背后主因就是为节省开销，砍掉大量乐团成员，只保留几大基本乐器。同样因为技术限制，个人创作者很难自己做出歌曲伴奏，只有唱片公司一条渠道。能被发行的作品都是经过公司筛选，质量有保证。这就是九十年代好歌依然不少，配器却赶不上八十年代的主因。很多那时的作品如果用大乐队重新配器，好听程度会呈几何级增长！
5.进入新世纪，网络时代开启，MIDI音乐制作成熟，创作宣传成本急剧下降。海量个人创作者可以自己制作伴奏、自己录制演唱，通过网络，向世界展示个人作品。质量鱼龙混杂、参差不齐。这就是我们听到的网络歌曲大多很难听的主因。
以上就是为什么现今歌曲总也比不上老歌好听的决定性因素：钱。
一切都跟“钱”字挂钩。
没有钱，生存都成为问题，自然很难创作出佳作；没有钱，就用不起真正的大乐队。当粗糙简陋的电子乐成为主流，人类对音乐的基本审美缺失，新一辈懵懂无知，老一辈随波逐流，那些曾经的时代经典逐渐被淹没。
至于如今用流量来评判音乐的行径，只能靠经济领域的大神来分析一下了。
幸好还有一些执着的音乐爱好者，始终坚守老歌这片阵地！他们利用网络的便利，不遗余力地艰难推广着那些经典歌曲！
只是不知道，这样的坚守还能延续多久呢？
感谢阅读。如果喜欢，请关注：恋歌bar，每期带给您不一样的回忆和观点。
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